Bueno, ya va otra croniquita que tenía pendiente de hace unos días. Y aún con los recuerdos de aquella que hice para el evento A7X¹, procede otro relato de un subgénero que ha venido creciendo tanto en cantidad de bandas como en interés mediático generado en la escena local e internacional: el technical death metal. Para esta ocasión, hablaré de 3 grandes exponentes, los canadienses Beyond Creation, Fallujah desde Estados Unidos y por Colombia, Shroud of Impurity. Esta reunión se llevó a cabo en el Relevent Music hall en la fría noche bogotana del 20 de abril.

Y aunque no soy el conocedor más grande de los invitados internacionales anteriormente mencionados², el tech death es un subgénero que, parafraseando al señor Candy en Django Unchained, tenía mi curiosidad en el pasado y ahora tiene mi atención. Es más, considero que el concierto fue la mejor chance de conocer a estos representantes venidos de otras latitudes.

Estuvo bueno ya de introducción. Vamos al lío.

1. Apertura con los parceros de Shroud of Impurity

A eso de las 7:30 pm ya comenzaba a haber un quorum de gente bastante grande en la zona aledaña al recinto. Inclusive, dado que hubo un retraso en el inicio del show, hasta llegó a pasar por mi cabeza que capaz y me estuve perdiendo del primer acto de la noche. Sobre todo porque apenas iba entrando, Shroud comenzó a tocar. De buenas que era solamente un ensayo, algo de susto me alcanzó a dar.

Luego de chequear sonido, entraron Tutto, Daro, Sheik y Norman a iniciar el fiestón en el Relevent. Con el lugar a tope, mostraron las canciones de Sudario Impuro, su Opera Prima que cuenta con un total de 6 tracks y un arte bien melo en el folleto³. El trabajo ya lo pueden encontrar en formato físico, que también se puede acompañar de la respectiva camiseta.

Aquí unos apartes de su presentación. Las tomas son hechas con un cel medio choneto, pero que logra su cometido.

Aclaración: no, no es el mismo video subido 2 veces. Me hice en el mismo lugar para hacer las tomas.

Como pueden ver, aparte de bastante agresividad característica del death, hay mucha técnica y groove, o así como es dicho aquí, saborrr. Una combinación que gustó mucho en el público asistente, y que sirvió para mostrar que aquí en Colombia lo que sobra es talento. Algo que no me canso de decir. Para que estén muy pendientes de todo lo nuevo de la banda, que se viene pronto.

En lo que respecta a la parte de logística y sonido, estuvo muy bien. Todo sonó en su punto, en especial el bajo de Daro, que pude contemplar a su perfección gracias a la ubicación que conseguí muy cerca de la tarima. Los muchachos de ingeniería de sonido la hicieron fenomenal. Una apertura a la altura del espectáculo de la noche.

Ahora sí, toca hablar del primer invitado internacional.

2. Fallujah desde Tennessee

De primera, me sorprendió ver que una banda de (tech) death no tuviera bajo. En ese aspecto soy un tanto ortodoxo en afirmar que este instrumento no puede faltar en un concierto de una banda de metal⁴; no obstante, me he llevado varias sorpresas con varias agrupaciones, y una de ellas fue justamente Fallujah, quienes vinieron a presentar varias canciones de su más reciente disco Xenotaph, un trabajo musical que me dejó sorprendido por la calidad tan alta que tiene. Y además, también tocaron rolones de anteriores trabajos como Dreamless y Empyrean.

Aquí se pueden apreciar las voces limpias de Kyle Schaefer, quien entró a la banda en 2022. Poderosa la labor del flaco como cantante, he de decir. Y el guitarrista líder Scott Carstairs, ni se diga. Señora técnica la que se gastaba tocando la lira. Para quedar con estupefacientes, digo, estupefacto.

Como en el caso de Shroud, las tomas fueron hechas desde un extremo del escenario. Y así como pasó en el caso anterior, se favorecieron con el audio los instrumentos ubicados ahí (en este caso, la guitarra de Scott). En cuanto al show, se prendió aún más el ambiente con Fallujah, alto carisma el de sus integrantes, y bastante amables repartiendo picks y el setlist respectivo. Ya pasado un tiempo pude ver a algunos de los integrantes vendiendo la merch oficial en la chaza del lugar⁵.

Es hora de pasar al acto principal de la jornada.

Tecnicismo y Virtuosismo con Beyond Creation

Por primera vez en Colombia (inclusive, en Latinoamérica) Beyond Creation hacía su presentación. Fechas más que indicadas porque se cumplen 15 años de su LP debut The Aura, un señor trabajazo de estos canandienses de Montreal donde se ve el tech death más influenciado por las notas del jazz.

Al detallar el setlist, se puede ver que grueso del show estuvo encaminado a mostrar el trabajo previamente mencionado; aunque hubo tiempo para que la banda interpretara canciones de otros trabajos como Algorythm, así como de su más reciente sencillo Reverence. Como elipsis, la trayectoria musical en términos de producciones no es muy extensa, a diferencia de lo que se puede ver en Fallujah.

Instrumentalmente y en vocales, muy buena la banda, en especial el bajista Hugo Doyon-Karout sacando unas notas que no se pueden creer que provengan de ese instrumento. Las tomas las hice desde una posición más central, cosa que se aprecia mejor el sonido en el recinto.

Como comentario extra, el vocalista Simon Girard hizo la presentación de las canciones en español. Uno un tanto tastabillado, pero se agradece mucho el detalle. Hizo que el público tomara más la vibra de la ocasión. Inclusive, el encore tomó más tiempo de lo normal no solamente por los discursos en el idioma local, sino también porque la banda se despedía más que circo de los hermanos Gasca.

Y bueno, luego de unas 3 horas de show, todos pa la casita. Mil y mil gracias a las bandas y al Relevent por hacer posible este evento. Con eventos de esta calidad, cada vez más se va generando interés en géneros tan elaborados como el tech death.

1. Avenged Sevenfold. ↩︎
2. Caso contrario al invitado nacional, de quienes ya tengo el EP debut y la camiseta oficial. ↩︎
3. Si lo quieren ver, compren el disco. No voy a piratear el arte de las bandas locales en mis notas. ↩︎
4. Inclusive, hasta puede ir sampleado (como lo hizo Aborted en su presentación en el Ace del 2024). ↩︎
5. Miren ustedes que es un fenómeno global; se ve mucha más rentabilidad en la venta de mercancía. ↩︎

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Reseña Angine de Poitrine-Vol II (2026)

¿Puede el caos ser tendencia? El dúo multinstrumental Angine de Poitrine parece demostrar que sí. Con su nuevo álbum ‘Vol II’, estos enmascarados de Quebec nos ofrecen una experiencia sonora que desafía etiquetas, posicionándose como una de las propuestas más frescas y disruptivas de este 2026. Es una obra donde el virtuosismo se encuentra con lo absurdo, logrando un éxito inesperado en plena era digital.»

El virtuosismo de lo absurdo que conquistó a las leyendas

En las últimas semanas, el mundo entero se sacudió con una propuesta poco convencial: dos personajes enmascarados de Quebéc, Canada con su música instrumental, incómoda, rara, con acordes y sonidos disonantes y de tiempos extraños, empezaron a ganarse el corazón y reconocimiento de gigantes en la industria musical del rock y del metal.

Angine de Poitrine es una banda formada en el año 2019 de jazz, prog, surf rock, funk y math-rock, una banda que parece ser muy técnica y seria, pero que curiosamente surgió como una burla entre los genios detrás del disfraz. Su música es algo así como Primus, Zappa y pop, un proyecto de música virtuosa, pero absurda y que no pretende atrapar a todo el mundo, aunque en este caso, ya se han ganado la veneración de figuras como Mike Portnoy (Dream Theater), Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana), Rick Beato y Cory Wong.

Marcianos, una respuesta humana ante la IA y la industria musical

La joven banda, que tan solo cuenta con dos álbumes y tres sencillos, está en camino a convertirse en un clásico instantáneo, en una banda que marcará la década y hasta una generación de la música alternativa.

Me atrevo a hacer esa afirmación, porque en medio de público alternativo y artistas que se ven saturados con la cantidad de competencia y música nueva que se lanza ahora como consecuencia de la inteligencia artificial y aplicaciones como Zuno, es de resaltar una banda que suena imperfectamente humana, que un sistema o aplicación no podría crear.

En una realidad distópica en donde las artes, que son el componente de creación más humano, emocional, imperfecto y hermoso, se están viendo reemplazadas por computadoras; el hecho de que Angine de Poitrine con su música microtonal y su presentación en KEXP el mes pasado, haya generando 3.5 milliones de vistas, es refrescante y un alivio.

Entre el chiste y la maestría: El nacimiento de un caos sonoro

Los personajes de Angine de Poitrine, Khn (guitarra y bajo) y Klek (batería), empezaron como un proyecto en broma entre amigos, algunos dicen que lo hicieron porque no les dejaron tocar seguido en el mismo bar y volvieron disfrazados.

Esto no es nuevo, vemos en la música referentes que van desde Gorillaz, Daft Punk, Gaerea, Sleep Token, entre otros, que son muy exitosos y les funcionó el anonimato. Pero para Angine de Poitrine, más que estrategia de marketing, se trata de una historia bien creada de marcianos que nos visitan y que se acomoda perfecto con la manera en la que suenan.

En su sonido usan instrumentos microtonales hechos por ellos mismos. La primera guitarra/bajo de doble mástil Stratocaster fue modificada con una sierra por el baterísta, de manera que se le agregaron extra trastes para producir ese disonacia microtonal. La idea viene de una inspiración por sonidos hindúes y japoneses que tiene intervalos musicales más pequeños que el semitono, la división mínima en el sistema occidental convencional (de 12 a 24 o más semitonos).

Angine de Poitrine-Vol II (2026)

Angine Poitrine: Vol II es un álbum de 6 canciones que sobre pasan el largo de canciones comerciales y no es de extrañarse con toda la experimentación y viaje sonoro que es cada una de ellas, haciendo a la agrupación un dúo progresivo or prog, en mi opinión, porque lo arriesgado es prog.

Fabienk es el inicio de esta experencia y una de mis favoritas del álbum, la canción parece dividirse en dos, tiene coqueteos con el disco de los 70s y funk inclusive en las voces. Después le sigue Mata Zyklek, que va en camino a convertirse en una favorita de los fans y se siente como una canción ambiente para una carrera de caricaturas, energía a tope.

Sarniezz, es la canción que más reconocimiento les ha generado hasta el momento, suena a una banda sonora como si tuviera instrumentos de viento y es un éxito asegurado, es agresiva, tiene muchos cambios y es la más corta del listado. Por otro lado, está Utzp que suena chistosa, a música para bailar polca, fue un gusto adquirido para mí, pero terminó enganchándome al final porque tienen un cambio inesperado en la mitad de tiempo y propuesta y termina hasta sonando a arpeggios de metal.

Las últimas dos canciones, Yor Zarad y Angor demuestran especialmente la influencia de sonidos árabes, hindúes y con coqueteos de metal, distorsión y caos al final.

¿Te gustó la reseña? Te invito a estar al tanto de nuestras redes y a leer reseñas anteriores como esta de  Eihwar – Hugrheim: El Despertar del Viking War Trance por Jean Santacoloma.

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Tras años de dejar su huella en bandas fundamentales como Temple of Baal, Le Pape regresa con su álbum debut titulado «Guerre et Paix», una obra que explora las dualidades más profundas de la existencia humana a través de un sonido gélido y punzante. Para elevar esta experiencia a niveles de intensidad devastadores, el álbum cuenta con la participación legendaria de Frost (Satyricon, 1349) en la batería, aportando ese sello de la vieja guardia noruega que redefine la potencia del disco.

En esta entrevista exclusiva, conversamos con Gildas sobre la génesis de este proyecto, el desafío de liderar su propia visión artística y lo que significó colaborar con una de las figuras más icónicas del género para dar vida a este nuevo pilar del metal extremo.

1. Después de años contribuyendo a varios proyectos icónicos en la escena francesa, ¿cuál fue la chispa creativa principal que te llevó a establecer Via Doloris? ¿Cómo te permite este proyecto expresar aspectos de tu identidad musical que quizás no habías explorado en tus bandas anteriores?

Bueno, gracias por eso. Para ser honesto, mi participación en la escena francesa es casi anecdótica. Tuvimos el combo de black/thrash Morbid Rites en aquellos días, pero fuera de eso, he vivido principalmente en Noruega y he estado activo como músico aquí en Oslo. Primero con Satyricon, y luego en varios otros estilos.

En 2020, tras unos años alejado del metal, sentí la necesidad de contribuir de nuevo. Las cosas empezaron con unas pocas ideas musicales, nada realmente ambicioso. Pensé en hacer un álbum con un estilo muy rápido y agresivo, influenciado por la música que escuchaba en ese momento. Pero a medida que empecé a trabajar seriamente en el material, sentí que las cosas se expandían y tomaban una dirección mucho más matizada que el plan original. Se volvió más ambicioso y, al final, logré algo realmente refinado y personal.

2. El título «Guerre et Paix» (Guerra y Paz) sugiere una dualidad profunda. ¿Podrías profundizar en los temas líricos y el conflicto filosófico que se presenta en este álbum? ¿Es una reflexión sobre la condición humana o más bien un viaje personal a través de estos dos estados opuestos?

Es un poco de ambos, en realidad. Una reflexión sobre el destino humano en general, con algunas miradas específicas a ciertos aspectos de la vida: desde la agresión hasta la lucha, pasando por los sueños, el dolor e incluso la esperanza. Creo que todos tendemos a navegar entre varios estados, y personalmente paso mucho tiempo estudiando el arte del equilibrio.

Obviamente, me inspiro en mi propia experiencia personal cuando escribo las letras. Creo que la música del álbum también ilustra esto, con su constante vaivén entre la oscuridad y la belleza.

3. Tener a Frost (Satyricon, 1349) en la batería aporta un nivel innegable de intensidad y prestigio al disco. ¿Cómo surgió esta colaboración y cómo influyó su estilo específico de batería en la forma en que compusiste los riffs y la estructura general de las canciones para este álbum?

En efecto. He estado tocando con Satyricon durante muchos años, así que conozco bien a Frost. Cuando empecé a componer y arreglar la música para el álbum, a veces escuchaba en mi cabeza una batería con un sonido muy característico, bastante diferente al que obtenía con el sampler que usaba para programar los demos.

Pronto me di cuenta de que era el sonido característico de Frost. No es sorprendente, considerando que es el baterista con el que más he tocado en general. Y probablemente sigue siendo el mejor baterista de Black Metal que existe. Cuando empecé a buscar a alguien para grabar las partes en el disco real, él fue naturalmente el primero a quien le pregunté. Le gustaron mucho los demos y decidió contribuir al álbum. Su trabajo fue tocar exactamente lo que yo había compuesto y arreglado, por lo que no influyó directamente en el material. Pero su toque estuvo indudablemente allí durante el proceso de composición, aunque no fue algo realmente consciente.

4. Pasar de ser parte de la dinámica de una banda a liderar un proyecto en solitario como Via Doloris implica muchos desafíos. ¿Qué ha sido lo más gratificante de tener el control creativo total sobre «Guerre et Paix», y cómo sientes que tu sonido ha madurado desde tus inicios en la escena?

Definitivamente da mucho trabajo hacer casi todo por uno mismo en un disco con ese nivel de detalle y calidad. Estoy muy satisfecho con cómo resultaron las cosas, y debo agradecérmelo a mí mismo. La experiencia demuestra que, en muchas situaciones, delegar no es una opción, o si tengo que hacerlo, es una experiencia decepcionante.

He estado presente en cada segundo del proceso y no me arrepiento de nada, aunque tuvo un costo. El resultado es exactamente lo que tenía en mente y estoy muy orgulloso de ello. Ahora la pregunta es saber si seré capaz de volver a hacer las cosas de esa manera.

5. Ahora que «Guerre et Paix» ha salido, ¿visualizas a Via Doloris como un proyecto solo de estudio, o hay planes para llevar esta atmósfera oscura al escenario con una alineación en vivo? Además, ¿qué mensaje esperas que la comunidad global del Black Metal se lleve de este nuevo capítulo en tu carrera?

Estoy analizando esto en este momento. He estado muy enfocado en el lanzamiento en lo que va del año, y sé que, por varias razones, si Via Doloris sale en vivo, no podrá ser ahora mismo de todos modos. Así que seguiré evaluando mis opciones. También tengo otras ideas para Via Doloris, veamos cómo encajan en el panorama general más adelante.

Espero que este álbum encuentre a aquellos que tienen la mente y el espíritu abiertos. Es rico, con muchas capas y profundamente sincero. Es algo para ser experimentado más que simplemente escuchado. Entra en el viaje de Via Doloris y es posible que descubras partes de ti mismo en lugares que nunca esperaste.

Agradecimientos a Season of Mist por la oportunidad de la entrevista

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Por: Wallas | Director de Roll The Radio

La maquinaria de Arch Enemy ha vuelto a encender sus motores con una pieza clave renovada. Por medio de videos captados por los fanáticos en su primera presentación de la temporada, se confirmó el debut oficial de Lauren Hart como la nueva frontwoman del grupo. Tras la sorpresiva partida de Alissa White-Gluz a finales del año pasado, la expectativa por quién ocuparía el trono era máxima en la comunidad metalera. En esta ocasión, la cantante estadounidense demostró una capacidad técnica impecable, interpretando clásicos como «Nemesis» y «The Eagle Flies Alone» con una autoridad que reafirma la visión de Michael Amott para este nuevo ciclo.

El estreno de Lauren Hart marca un punto de inflexión para la banda. Según los reportes de los asistentes al show, la química entre la vocalista y el resto de los músicos fue inmediata y cargada de una agresividad renovada. Por consiguiente, las comparaciones no se hicieron esperar en las plataformas digitales, donde la mayoría de los comentarios destacan el rango gutural profundo de Hart. No obstante, la banda ha mantenido un perfil bajo sobre los detalles de su próximo álbum de estudio con esta alineación. Por lo tanto, esta gira se perfila como la prueba de fuego definitiva para consolidar esta nueva etapa ante las legiones de seguidores globales.

Una guerrera forjada en el metal moderno

Lauren Hart destacó por su dominio escénico y una presencia que honra el legado de sus predecesoras, Angela Gossow y Alissa. Asimismo, su incorporación aporta un matiz de metal moderno que encaja perfectamente con el sonido actual de Arch Enemy. Por esta razón, el entorno del metal extremo ya celebra que la transición se haya realizado de manera tan fluida y contundente. Por el contrario de lo que muchos temían, la esencia de la banda parece haber salido fortalecida con este cambio de mando en el micrófono.

Además, el entorno de los festivales europeos de verano ya reporta una alta demanda de acreditaciones para ver a la nueva formación en acción. Los algoritmos de las redes sociales muestran una tendencia al alza en las reproducciones de los videos en vivo, confirmando que el interés por el grupo sigue intacto. Por otro lado, Michael Amott ha insinuado en breves declaraciones que la banda se siente «rejuvenecida» con la llegada de Lauren. En conclusión, Arch Enemy demuestra una vez más que sabe cómo reinventarse sin perder un ápice de su brutalidad melódica.

El análisis de Roll The Radio

Desde nuestra redacción, siempre hemos dicho que un cambio de vocalista es como un cambio de técnico en el fútbol: se necesita tiempo para ver el estilo, pero el primer partido dice mucho. Por un lado, extrañaremos a Alissa, pero por otro lado, Lauren Hart tiene un «punch» que le devuelve una oscuridad necesaria a la banda. Por esta razón, en Roll The Radio le damos el visto bueno a este debut y ya queremos verlos en Latinoamérica.

¿Creen que Lauren Hart es la elección correcta para mantener a Arch Enemy en la cima o la sombra de Alissa será muy pesada?

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🥁 El Sonido: Rituales Electrónicos

Hugrheim no es un disco de «fogata y flauta». Es un asalto rítmico.

• La Percusión: Es el corazón del álbum. Los tambores chamánicos se funden con bombos electrónicos pesados, creando un trance hipnótico que te obliga a mover el cuerpo.
• La Voz de Asrunn: Su capacidad para pasar de cantos angelicales y etéreos a guturales feroces y gritos de guerra le da al álbum una dinámica de «luz y sombra» constante.
• Instrumentación: El uso de la Tagharpa (instrumento de cuerdas frotadas) mezclado con sintetizadores sucios crea una atmósfera que se siente antigua y futurista al mismo tiempo.

🛡️ Temas Destacados

• «Völuspá»: Una interpretación vibrante de la profecía nórdica. Aquí la banda demuestra cómo puede mantener la sacralidad del texto mientras te envuelve en un ritmo de baile frenético.
• «Berserkr»: Pura adrenalina. Representa la furia de los guerreros nórdicos con una base electrónica que roza el techno-industrial.
• «Hugrheim»: El tema que da nombre al disco es un viaje más atmosférico, explorando el «hogar del espíritu» (significado de la palabra en nórdico antiguo).

⚖️ Veredicto

Hugrheim es un disco disruptivo. Logra lo que pocas bandas de Folk consiguen: sonar auténticamente primitivo sin ser aburrido o repetitivo. Es la banda sonora perfecta para quienes disfrutan de Heilung o Wardruna, pero que a veces extrañan la energía de un concierto de metal o de música electrónica pesada.

En pocas palabras: Es un ritual pagano en el siglo XXI. Eihwar ha creado un puente entre el pasado vikingo y la cultura de club moderna.

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La tormenta perfecta entre la vanguardia francesa y la furia noruega

Cuando un músico de la trayectoria de Gildas Le Pape (ex-Temple of Baal) decide tomar las riendas de un proyecto en solitario, las expectativas son altas. Sin embargo, con «Guerre et Paix» (Guerra y Paz), bajo el nombre de Via Doloris, no solo cumple con lo esperado, sino que entrega una pieza de Black Metal que se siente vital, peligrosa y profundamente artística.

1. La Alianza de Hierro: Le Pape y Frost

El mayor atractivo técnico de este álbum es, sin duda, la presencia de Frost (Satyricon, 1349) tras la batería. Su participación no es un simple adorno; el estilo devastador y preciso del baterista noruego le otorga al disco una columna vertebral de acero. La combinación de los riffs afilados de Gildas con la velocidad inhumana de Frost crea una sinergia que recuerda a los mejores momentos del Black Metal de finales de los 90, pero con una producción moderna y robusta.

2. Concepto: La Dualidad de la Existencia

Fiel a su título, el álbum es un campo de batalla filosófico. «Guerre et Paix» explora los estados opuestos de la condición humana. No es solo un ataque sónico; es un viaje introspectivo donde los momentos de agresividad bélica se intercalan con pasajes de una calma tensa y oscura. Esta dualidad permite que el disco respire, evitando la monotonía y manteniendo al oyente en un estado de alerta constante.

3. Sonido: Black Metal de Autor

A diferencia de los proyectos previos de Le Pape, en Via Doloris se percibe una libertad creativa total. El sonido es puramente francés en su elegancia y disonancia, pero tiene ese «groove» gélido que solo la escuela noruega puede aportar. Es un álbum de contrastes:

• Ataque: Blast beats frenéticos y guitarras que cortan como navajas.
• Atmósfera: Capas de oscuridad que sugieren un camino de dolor (haciendo honor al nombre de la banda).
• Voz: Una interpretación visceral que transmite el conflicto interno de los temas tratados.

4. Veredicto

«Guerre et Paix» es una declaración de principios. Gildas Le Pape ha logrado canalizar su experiencia en un proyecto que suena fresco y necesario. La inclusión de Frost eleva el material a un nivel de élite, convirtiendo este debut en uno de los lanzamientos más destacados del Black Metal extremo en lo que va del año. Es un disco esencial para quienes buscan música que sea tanto un castigo físico como un desafío intelectual.

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Por: Wallas | Director de Roll The Radio

La oscuridad finlandesa se prepara para envolver nuestro continente. Por medio de un anuncio oficial, Swallow The Sun confirmó las fechas de su esperada gira “Shining Over Latinoamérica”, la cual recorrerá las principales capitales de la región durante el mes de agosto. La agrupación, formada en Jyväskylä en el año 2000, regresa en su mejor momento tras consolidarse como uno de los pilares del doom melódico a nivel mundial. En esta ocasión, la expectativa es total, ya que la banda presentará en vivo el material de su último disco, “Shining”, un trabajo que ha sido catalogado por la crítica como una evolución magistral de su sonido.

El paso por Bogotá está marcado para el próximo 16 de agosto. Según los integrantes del grupo, esta gira busca conectar con la profunda carga emocional que caracteriza al público latinoamericano. Por consiguiente, el setlist promete ser un viaje a través de sus composiciones más densas y atmosféricas, explorando temáticas como el duelo y la introspección. No obstante, la potencia sonora que los caracteriza no se quedará atrás, equilibrando pasajes sombríos con la agresividad justa del death metal. Por lo tanto, los fanáticos colombianos tendrán una cita obligatoria con la majestuosidad sonora de estos maestros nórdicos.

El brillo de la oscuridad en el escenario

Swallow The Sun destacó que este tour llega en un punto de madurez absoluta para la banda. Asimismo, la serie de conciertos incluye paradas en Brasil, Argentina, Chile y una extensa ruta por México. Por esta razón, el entorno del metal extremo ya celebra el regreso de una de las propuestas más respetadas y coherentes del género. Por el contrario de buscar la velocidad desenfrenada, los finlandeses apuestan por la densidad y la profundidad técnica que los ha mantenido vigentes por más de dos décadas.

Además, el entorno de la música internacional reporta un creciente interés por el sonido del doom melódico en tierras latinas. Los algoritmos de las plataformas digitales ya muestran un repunte en las reproducciones de temas clásicos tras el anuncio de las fechas oficiales. Por otro lado, la banda ha prometido una producción visual acorde a la atmósfera de su música, haciendo de cada show un momento solemne y poderoso. En conclusión, el mes de agosto será testigo de cómo la luz de “Shining” se funde con las sombras de Swallow The Sun en nuestros escenarios.

🗓️ Fechas Confirmadas – “Shining Over Latinoamérica”

• 11/08 – Brasil / São Paulo
• 13/08 – Argentina / Buenos Aires
• 14/08 – Chile / Santiago
• 16/08 – Colombia / Bogotá 🇨🇴
• 18/08 – El Salvador / San Salvador
• 19/08 a 23/08 – Gira por México (Guadalajara, Monterrey, San Luis Potosí, Chihuahua, CDMX)

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Por: Wallas | Director de Roll The Radio

La espera terminó para las legiones de la oscuridad. Dimmu Borgir ha confirmado oficialmente el lanzamiento de ‘Grand Serpent Rising’, su primer material original desde el aclamado ‘Eonian’ de 2018. El álbum llegará a las estanterías el próximo 22 de mayo de 2026 a través de Nuclear Blast. Tras finalizar las grabaciones en el prestigioso Estudio Fredman de Suecia junto al productor Fredrik Nordström, la banda presenta una obra de trece temas que explora la metáfora de la serpiente como símbolo de renacimiento y transformación. En esta ocasión, el grupo se aleja de la pomposidad orquestal extrema para abrazar un sonido más crudo y directo.

El primer adelanto del disco es «Ulvgjeld & Blodsodel», una pieza que recupera la ferocidad del Black Metal noruego de los primeros tiempos. Según Silenoz, el guitarrista y mentor del grupo, este trabajo busca un equilibrio entre la agresividad primitiva y la madurez compositiva que han refinado durante décadas. Por consiguiente, temas como «Tridentium» y «Gjǫll» prometen sumergir al oyente en una atmósfera implacable de casi una hora de duración. No obstante, la formación que grabó el disco cuenta con nombres de peso como Damage (Chrome Division) en las guitarras y Victor Brandt en el bajo, consolidando una alineación demoledora para este nuevo ciclo.

La «Trinidad Impía» se toma Europa

‘Grand Serpent Rising’ no solo llegará a los reproductores, sino que invadirá los escenarios. Dimmu Borgir ha anunciado la gira «In League With Satan», bautizada como la «Trinidad Impía del Black Metal», junto a Behemoth y Dark Funeral. Este tour recorrerá las principales ciudades de Europa durante el mes de octubre, arrancando en Zúrich y cerrando en Copenhague. Por esta razón, la expectativa por ver estas nuevas canciones en vivo es total, especialmente tras las declaraciones de la banda sobre un montaje visual renovado y simbólico.

Además, el arte de la portada ha sido encargado al reconocido artista Zbigniew Bielak, capturando la esencia esotérica de los trece cortes que componen el álbum. Los algoritmos de preventa ya muestran un interés masivo, posicionando a este lanzamiento como el evento metalero del 2026. Por otro lado, la banda asegura que este disco es una declaración de principios sobre su vigencia y fuerza creativa. En conclusión, con ‘Grand Serpent Rising’, Dimmu Borgir demuestra que ocho años de silencio solo sirvieron para afilar los colmillos de la serpiente.

📝 Tracklist de ‘Grand Serpent Rising’:

1. Tridentium
2. Ascent
3. The Qryptfarer
4. As Seen in the Unseen
5. Ulvgjeld & Blodsodel (Primer sencillo)
6. Repository of Divine Transmutation
7. Slik Minnes en Alkymist
8. Phantom of the Nemesis
9. The Exonerated
10. Recognizant
11. At the Precipice of Convergence
12. Shadows of a Thousand Perceptions
13. Gjǫll

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Por: Wallas | Director de Roll The Radio

La oscuridad tiene un nuevo himno. Por medio de un lanzamiento global este 25 de marzo, Moonspell reveló los detalles de su esperado álbum número 14, titulado ‘Far From God’. Tras cinco años de búsqueda creativa desde su anterior trabajo ‘Hermitage’, la banda liderada por Fernando Ribeiro decidió volver al sonido que los convirtió en leyendas. En esta ocasión, el disco ha sido descrito por el propio vocalista como el «Irreligious del siglo XXI». Debido a la carga emocional y atmosférica de las nuevas composiciones, el grupo ha dejado de lado los temas sociales para enfocarse en una narrativa gótica pura y desgarradora.

El primer adelanto, también titulado «Far From God», viene acompañado de un videoclip que recupera la estética del cine de terror clásico. Según Ribeiro, la inspiración llegó tras ver la versión de Nosferatu (2024) de Robert Eggers, lo que le devolvió la fe en la figura del vampiro como símbolo trágico. Por consiguiente, la canción recupera las voces profundas, los teclados envolventes y los rifs densos que definieron la era dorada del metal gótico. No obstante, la producción a cargo de Jaime Gomez Arellano le otorga una fuerza moderna que posiciona al álbum como uno de los lanzamientos más importantes de 2026. Por lo tanto, el próximo 3 de julio será la fecha definitiva para el reencuentro con la sombra.

Entre lobos y resurrecciones

‘Far From God’ destaca por un tracklist de ocho canciones que exploran el amor baudelairiano y la culpa existencial. Asimismo, el arte de la portada, una impresionante pintura de Eliran Kantor, refleja perfectamente la dualidad entre lo sagrado y lo profano que recorre todo el disco. Por esta razón, canciones como «The Great Wolf In The Sky» (con la colaboración de Alicia Nuhr en cuerdas) ya generan una expectativa inmensa por su carga épica. Por el contrario de las tendencias actuales, Moonspell apuesta por la sinceridad emocional y la melancolía sin filtros.

Además, el anuncio coincide con el paso de la banda por Latinoamérica en su gira «Wolfheart and Other Stories». Los algoritmos ya reportan un interés masivo en la preventa del álbum, que incluye ediciones limitadas en vinilo y CD jewelcase. Por otro lado, la crítica especializada que ha tenido acceso al material asegura que este es el disco que «salvará al metal gótico de la predictibilidad». En conclusión, Moonspell demuestra que, lejos de Dios o cerca del abismo, su identidad sigue siendo inquebrantable.

El análisis de Roll The Radio

Desde nuestra redacción, celebramos este regreso al misticismo. Por un lado, extrañábamos ese aura de peligro y elegancia que solo Moonspell sabe ejecutar. Por otro lado, la promesa de un sucesor espiritual para ‘Irreligious’ es palabras mayores para cualquier fan. Por esta razón, en Roll The Radio ya tenemos el aullido listo para recibir este trabajo.

¿Están listos para volver a las tinieblas con Fernando y compañía o prefieren el lado más progresivo de sus últimos discos?

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Por: Wallas | Director de Roll The Radio

El rito del Thrash Metal sigue más vivo que nunca bajo el mando de una de sus figuras más implacables. Por medio de una reciente entrevista, Kerry King reveló que entrará formalmente al estudio en abril para comenzar la grabación de su segundo disco en solitario. Tras el impacto mediático y sonoro de su debut en 2024, el guitarrista ha decidido capitalizar la energía de su actual banda para entregar material nuevo en tiempo récord. En esta ocasión, la noticia ha tomado por sorpresa a los fanáticos, quienes esperaban un descanso tras sus recientes compromisos en vivo. Debido a la disciplina de King, el proceso de composición ya se encuentra en una etapa avanzada.

La química con su actual alineación ha sido el motor de este regreso prematuro al estudio. Según el músico, trabajar con figuras de la talla de Mark Osegueda y Paul Bostaph ha facilitado la creación de rifs que mantienen la esencia destructiva que lo caracteriza. Por consiguiente, se espera que el nuevo álbum siga la línea de velocidad y oscuridad que definió su primer trabajo. No obstante, King ha sugerido que siempre hay espacio para explorar nuevas capas de pesadez dentro de su sonido tradicional. Por lo tanto, el 2026 se perfila como el año de la consolidación definitiva para su carrera fuera de Slayer.

El «Rey» reclama su trono nuevamente

Kerry King destacó que tiene suficiente material acumulado como para no detener la maquinaria creativa. Asimismo, la producción de este nuevo disco buscará capturar la intensidad de los recientes shows en festivales de alto calibre. Por esta razón, el entorno del metal ya especula con un lanzamiento para finales de este mismo año o principios de 2027. Por el contrario de lo que muchos pensaban, el proyecto solista de King no es algo pasajero, sino una institución que ha llegado para quedarse.

Además, el entorno de la música extrema ha reaccionado con entusiasmo ante la celeridad del anuncio. Los algoritmos de las plataformas digitales reportan un incremento en las reproducciones de su primer álbum tras conocerse las intenciones de grabar nuevo material. Por otro lado, la crítica especializada valora positivamente que el guitarrista mantenga a su equipo de trabajo intacto para esta nueva producción. En conclusión, Kerry King demuestra que, a pesar de las décadas en la carretera, su hambre de rifs demoledores sigue intacta.

El análisis de Roll The Radio

Desde nuestra redacción, celebramos que los veteranos sigan con esa hambre de estudio. Por un lado, sabemos que Kerry King es garantía de Thrash puro y sin filtros. Por otro lado, tener a Mark Osegueda en las voces nuevamente nos asegura un nivel de agresividad superior. Por esta razón, en Roll The Radio ya estamos preparando los oídos para lo que se viene este abril.

¿Crees que Kerry King logrará superar la vara tan alta que dejó con su primer disco o ya lo escuchamos todo?

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