El reverendo del rock industrial está oficialmente de regreso en la carretera. En consecuencia, Marilyn Manson presentó al mundo su esperado nuevo trabajo de estudio, titulado «One Assassination Under God – Chapter 2».

La producción fue coescrita y realizada mano a mano junto al experimentado compositor Tyler Bates. Queremos expresar un agradecimiento especial a los amigos de Secret Service Publicity por facilitarnos el acceso al material promocional para la escucha exclusiva en nuestra consola de producción.

⚡ Análisis tema a tema: Densidad, paisajes sombríos y guiños al pasado

• «Unalive»: El disco abre de forma pausada, oscura y densa. La pieza destaca por el impacto directo de una voz teatral que abre el universo sonoro de la placa.
• «Don´t answer the door»: El camino continúa con un corte más melódico y ganchero. La canción abandona la densidad industrial para ofrecer un coro sumamente memorable.
• «Front Toward Enemy»: El tema arranca con un riff característico de la carrera del artista. En efecto, la secuencia de bajo y batería revive al emblemático vocalista de décadas atrás en un delicioso sorbo de nostalgia.
• «All the vilest things»: La composición combina teclado, voces pausadas y guitarras acústicas con distorsión. El tema construye un paisaje calmado que resalta una frase contundente: «Tengo el cielo en mi mente y el infierno en mi corazón».
• «None Of The Suns»: El corte sorprende con una marcada vibra grunge. La canción evoca un ambiente de carretera para cantar con absoluta pasión.
• «Lucifer’s teardrop»: La pieza vuelve al terreno del rock industrial. La producción ofrece cambios de tiempo, ambientes disonantes y pasajes que se estructuran como un rezo oscuro.
• «The Arsonist»: El tema inicia con distorsiones de teclado y una batería lenta. La densidad de la letra resalta con frases punzantes e incursiones de guturales que potencian su fuerza.
• «Exit wound»: La pista sostiene el sello industrial tradicional del cantante. Sin ser veloz, la canción destaca por un riff constante y los característicos gritos rasgados del músico.
• «Enantiomorph»: El cierre aborda un profundo análisis sobre la condición humana. El concepto químico del espejo sirve para reflexionar sobre las capacidades internas que las personas no logran interiorizar.

🎙️ Riff de cierre

Escuchar este Chapter 2 de Marilyn Manson deja una sensación clara en la consola: el tipo está más firme que nunca frente a sus detractores. El mensaje que atraviesa todo el álbum es directo y desafiante: si quieres odiarme, hazlo; no diré nada, me haré más fuerte y acá me voy a quedar.

Nuevamente un saludo a los muchachos de Secret Service Publicity por enviarnos el material de primera mano para poder hacer esta cobertura. Lograr un balance entre pasajes de rock industrial, momentos con aire grunge y esa voz teatral que te golpea en el pecho es un gran acierto de producción. No estamos ante un disco acelerado de fórmula fácil, sino ante una obra madura que revisita sus mejores épocas. En la escala de la consola de Roll The Radio, le otorgamos un merecido 7.5 de 10.

¿Ya escucharon el nuevo disco de Marilyn Manson, muchachos? ¿Cuál fue su canción favorita de este Chapter 2? Los invito a dejar sus opiniones en nuestro portal web y a mantener la sintonía constante en la señal de Roll The Radio.

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Un encuentro cercano con los fanáticos

El Dynasty Galería Bar fue el escenario elegido para el meet & greet realizado el miércoles 15 de julio de 2026. Desde las 8:30 p. m., el equipo de Undercover Shows dispuso un espacio donde Graham Bonnet Band compartiría con sus seguidores mediante una firma de autógrafos y una sesión de fotografías.

A pesar de tratarse de un miércoles en plena mitad de semana, una gran cantidad de aficionados se acercó al lugar con un mismo objetivo: llevarse un recuerdo imborrable de una de las voces más importantes de la historia del hard rock.

La banda llegó puntualmente y, tras unas palabras de bienvenida por parte del organizador Miguel Usaquén, agradeciendo tanto a los músicos como a los asistentes, comenzó oficialmente la jornada.

Uno de los anuncios más llamativos de la noche fue la presentación oficial del cómic biográfico de Graham Bonnet, realizado por Comic Busters, cuyos ejemplares estarían disponibles para la venta durante el concierto del viernes.

Con orden y paciencia, los asistentes fueron pasando uno a uno con auténticos tesoros para cualquier coleccionista: vinilos, CDs, afiches, boletas del concierto e incluso chaquetas que terminaron convertidas en piezas únicas gracias a las firmas de la banda.

El foco de atención estuvo naturalmente sobre Graham Bonnet y Beth-Ami Heavenstone, bajista de la agrupación y esposa del cantante. Ambos firmaron cada objeto con una sonrisa y dedicaron unos minutos para conversar con cada fan, sorprendidos por el cariño del público colombiano y por la cantidad de material perteneciente a las distintas etapas de la carrera de Graham, desde Rainbow y Michael Schenker Group hasta Alcatrazz e Impellitteri.

Más que una simple firma de autógrafos, el encuentro permitió apreciar el lado más cercano y humano de la banda. No hubo afán. Cada fotografía, cada firma y cada conversación recibieron el tiempo necesario para hacer sentir especial a quienes esperaron durante años la oportunidad de conocer a uno de sus ídolos.

Uno de los momentos más emotivos llegó cuando Conrado Pesinato tomó la palabra para realizar un brindis en honor a Fausto Usaquén.

«Fausto es el culpable de que Graham esté aquí».

La frase despertó una mezcla de aplausos y emoción entre los presentes. Fausto fue el responsable de traer por primera vez a Graham Bonnet a Colombia en 2023 y, tras su fallecimiento en un accidente en 2024, su legado continúa vivo gracias al trabajo de Undercover Shows y de quienes han decidido mantener vivo ese sueño.

Entre sonrisas, lágrimas, palabras de admiración y recuerdos firmados, los asistentes se despidieron de la banda. Al día siguiente, el jueves 16 de julio, Graham Bonnet Band continuó su paso por Colombia con una presentación en el Teatro Matacandelas de Medellín, antes de regresar a la capital para el esperado concierto del viernes 17 en el Ace of Spades, donde culminaría su visita al país.

Graham Bonnet en Bogotá: el concierto en Ace of Spades

El viernes 17 de julio llegó finalmente la cita en el Ace of Spades de Bogotá.

Aunque la apertura de puertas estaba programada para las 7:30 p. m., desde las 6:00 ya comenzaban a llegar los primeros seguidores. Poco después de las 8:00 p. m. se permitió el ingreso al recinto y rápidamente los primeros puestos quedaron ocupados n por quienes buscaban vivir el concierto lo más cerca posible del escenario.

Con una asistencia cercana al 80 % del aforo, el ambiente fue creciendo mientras DJ Neon Knights mantenía la energía con una selección de clásicos del hard rock y el heavy metal de los años ochenta, preparando el terreno para la aparición de la banda.

Poco antes de las 10:00 p. m. las luces se apagaron y comenzó a sonar la introducción de Eyes of the World. Uno a uno fueron apareciendo Conrado Pesinato (guitarra), Alessandro Bertoni (teclados), Kyle Hughes (batería), Beth-Ami Heavenstone (bajo) y finalmente Graham Bonnet, fiel a su imagen de siempre: camisa de manga larga, corbata y sus inconfundibles gafas de sol.

La respuesta del público fue inmediata. Desde los primeros acordes comenzaron los coros que acompañaron buena parte del repertorio durante la poco más de una hora que duró la presentación.

Profesionalismo por encima de las dificultades

Uno de los aspectos más admirables de la noche fue el profesionalismo demostrado por la banda.

Graham Bonnet interpretó gran parte del concierto sentado en una butaca ubicada en el centro del escenario, consecuencia de la cirugía de reemplazo de tobillo a la que fue sometido en marzo de este año. Durante el meet & greet incluso había llegado apoyándose en un bastón. Aun así, en varios momentos se puso de pie para acercarse al borde del escenario, saludar y estrechar la mano de sus seguidores.

El propio Graham explicó que el inicio del concierto se retrasó porque Beth-Ami Heavenstone había presentado un problema de salud durante la tarde. Aun así, ambos decidieron subir al escenario y cumplir con el compromiso adquirido con el público colombiano. El gesto fue recibido con una cálida ovación.

Un recorrido por toda una carrera

El repertorio fue un auténtico viaje por la trayectoria de Graham Bonnet, con canciones de Rainbow, Michael Schenker Group, Alcatrazz y algunos momentos de su carrera solista, despertando constantemente la nostalgia entre los asistentes.

Las visuales proyectadas durante el concierto combinaron ilustraciones del cómic biográfico con imágenes de la banda y del público, todo bajo la dirección de DJ Neon Knights, quien además de encargarse de la música previa al espectáculo también fue el ilustrador del cómic.

Aunque el sonido presentó algunas dificultades durante los primeros minutos, la situación fue mejorando progresivamente gracias al trabajo conjunto del equipo técnico del Ace of Spades y a las constantes indicaciones de Conrado Pesinato, logrando que el resto del concierto transcurriera con una mezcla mucho más equilibrada.

Los momentos más memorables

Más allá de la figura de Graham Bonnet, cada integrante tuvo su espacio para destacar.

Alessandro Bertoni ofreció un brillante solo de teclado que incluyó fragmentos de Lazy, el clásico de Deep Purple, acompañado posteriormente por el resto de la banda.

Después de Desert Song, Kyle Hughes tomó el protagonismo con un espectacular solo de batería que desembocó en un medley de Jet to Jet, War Pigs y Stargazer, arrancando una de las mayores ovaciones de la noche.

Pero el instante más esperado llegó cuando Conrado Pesinato anunció, entre bromas, que interpretarían «una canción por primera vez». Sin poder contener la risa, comenzó a ejecutar los primeros acordes de Since You’ve Been Gone.

La reacción fue inmediata.

El público cantó cada palabra, levantó sus teléfonos para inmortalizar el momento y muchos terminaron abrazándose con lágrimas en los ojos. Fue, sin duda, el punto más emotivo de toda la presentación y el instante en que quedó más evidente la extraordinaria química entre la banda y los asistentes.

Más adelante, Conrado volvió a levantar su copa para dedicar nuevamente el concierto a Fausto Usaquén, invitando al público a brindar por quien hizo posible la primera visita de Graham Bonnet a Colombia.

La primera parte del repertorio concluyó con Assault Attack, pero el público quería más. El cierre llegó con dos clásicos imprescindibles: Too Young to Die, Too Drunk to Live y Lost in Hollywood, poniendo punto final a una noche que, aunque concluyó de forma algo apresurada debido al estado de salud de Graham y Beth, dejó una enorme satisfacción entre los asistentes. Antes de retirarse, los demás integrantes de la banda lanzaron baquetas y otros recuerdos al público mientras dedicaban unos últimos saludos desde el escenario.

Una experiencia que va más allá del concierto

Si el meet & greet permitió conocer el lado más cercano y humano de Graham Bonnet Band, el concierto confirmó por qué el cantante continúa siendo una figura fundamental dentro de la historia del hard rock.

Lejos de ofrecer una presentación basada únicamente en la nostalgia, la banda demostró compromiso, profesionalismo y un profundo respeto por el público colombiano. A pesar de las limitaciones físicas de Graham, del estado de salud de Beth y de algunos inconvenientes técnicos al comienzo del espectáculo, ninguno de esos factores logró eclipsar una noche marcada por la emoción y la complicidad entre músicos y asistentes.

La visita de Graham Bonnet dejó algo más que un concierto y una sesión de autógrafos. Dejó el recuerdo de dos jornadas donde el legado de una leyenda del rock se vivió de cerca, tanto fuera como dentro del escenario, reafirmando que la verdadera grandeza de un artista también se mide por la forma en que decide responder cuando las circunstancias no son las ideales.

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Los fanáticos comenzaron a arribar al recinto de la Avenida Boyacá desde el final de la tarde para no perderse este esperado acontecimiento. La mercancía oficial de la banda ofrecía diferentes diseños de camisetas con precios entre los 60.000 y 80.000 pesos, además de material de la agrupación colombiana Kull Trigger.

Las bandas nacionales calentaron la noche

Pasadas las 7:00 p.m. llegó el turno de Ripper. El cuarteto oriundo de Popayán, liderado por Juan David Hoyos, descargó todo su arsenal de speed, heavy y thrash metal para los asistentes que comenzaban a ingresar al recinto. Durante casi 40 minutos calentaron el ambiente con una presentación enérgica que incluyó una sólida versión de «The Sentinel» de Judas Priest.

Cerca de las 8:00 p.m. fue el turno de Electric Blue. La banda bogotana, con algunos cambios en su alineación, transportó al público a los años dorados del hard rock y el heavy metal ochentero gracias a sus riffs pegajosos y destacados solos de guitarra. Aunque un inconveniente con el redoblante de la batería interrumpió momentáneamente la presentación, la producción reaccionó con rapidez y el show continuó sin mayores contratiempos, cerrando con el tema «Electric Blue».

La siguiente agrupación en subir al escenario fue Visions. Con su heavy metal tradicional lograron que la creciente audiencia levantara los puños y sacudiera la cabeza al ritmo de canciones de su EP Point of No Return. La banda también rindió homenaje al heavy metal alemán interpretando «Heavy Metal Queen» de Trance. Fueron 45 minutos de guitarras gemelas, cuero, taches y actitud metalera.

Kull Trigger presentó oficialmente a Annie McCausland

El cierre de la cuota nacional estuvo a cargo de Kull Trigger. La agrupación santandereana, radicada actualmente en Bogotá, subió al escenario sobre las 9:30 p.m. para presentar oficialmente a su nueva vocalista, Annie McCausland.

Con un divertido video explicando cómo prepararse para hacer headbanging, la banda inició una presentación que evidenció una nueva etapa artística. Tal como habían adelantado Héctor Sebastián y Juan Felipe «Pipe» Galvis en entrevista con Roll the Radio, la propuesta escénica apunta ahora hacia una faceta más teatral.

Basando gran parte de su repertorio en Primal Abilities y adelantando algunas composiciones nuevas, la banda destacó con canciones como «1618», «Hammer on the Steel» y «Empire V». El cierre tuvo un momento especial cuando el público y la agrupación celebraron el cumpleaños de «Pipe», arrancando aplausos y sonrisas entre los asistentes.

Tygers of Pan Tang conquistó Bogotá

A las 10:40 p.m., mientras el equipo técnico realizaba los últimos ajustes sobre el escenario, Robb Weir apareció para pedir diez minutos más al público, explicando que la banda había llegado directamente desde el aeropuerto al recinto.

La espera valió la pena.

A las 10:50 p.m. aparecieron sobre el escenario Robb Weir (guitarra), John Foottit (guitarra), Huw Holding (bajo), Craig Ellis (batería) y el carismático vocalista Jacopo «Jack» Meille, formación que ha trabajado junta durante los últimos cinco años.

La descarga comenzó de manera contundente con «Euthanasia», «Gangland» y «Keeping Me Alive», tres clásicos que pusieron inmediatamente a cantar y saltar a los asistentes.

El setlist recorrió distintas etapas de la carrera de la banda, combinando canciones clásicas con material más reciente, aunque con especial énfasis en dos de sus trabajos más emblemáticos: Wild Cat y Spellbound.

La conexión con el público fue inmediata. Jack Meille se convirtió en el maestro de ceremonias de la noche, interactuando constantemente con los asistentes y recordando que la banda no visitaba Colombia desde 2016. Fue él quien presentó uno de los momentos más celebrados de la velada con «Only the Brave».

Los músicos también compartieron una anécdota sobre su reciente gira por España junto a FM, donde les habían advertido sobre la pasión del público colombiano. Bastaron unos pocos minutos para comprobar que la fama era totalmente merecida.

Uno de los instantes más emotivos llegó con «Paris by Air». Antes de interpretarla, la banda comentó que incluso los metaleros más duros tienen canciones capaces de derretirles el corazón. La reacción del público confirmó sus palabras.

La primera parte del show concluyó con «Hellbound», uno de los himnos más representativos de Spellbound, cantado prácticamente de principio a fin por los asistentes.

Una banda en estado de gracia

Es imposible no destacar el desempeño de Jacopo «Jack» Meille. Su voz se mantuvo impecable durante toda la presentación, alcanzando cada nota con potencia y precisión pese al desgaste acumulado de la gira sudamericana.

La química entre Robb Weir y John Foottit fue igualmente sobresaliente. Cada riff, armonía y solo de guitarra evidenció la experiencia de una banda que, después de más de cuatro décadas de trayectoria, sigue sonando compacta, poderosa y plenamente vigente.

Un cierre épico para el South America Roar Tour 2026

El encore comenzó con unas palabras de Robb Weir que arrancaron aplausos inmediatos:

«Ace of Spades is the best place to play».

Acto seguido llegaron los acordes de «Love Don’t Stay», interpretada prácticamente por completo por el público bogotano, antes de que la banda pusiera punto final a la noche con una explosiva versión de «Suzie Smiled».

La euforia fue total.

Balance final

Con una asistencia cercana al 70 % de la capacidad del recinto, una destacada participación de las bandas nacionales y una organización que respondió adecuadamente a los pequeños inconvenientes técnicos de la jornada, el evento dejó un balance altamente positivo.

Aunque la asistencia fue buena durante toda la noche, siempre será deseable que más aficionados lleguen desde temprano para apoyar a las agrupaciones nacionales, cuyo nivel artístico quedó ampliamente demostrado sobre el escenario.

Más de cuarenta años después de su fundación, Tygers of Pan Tang sigue siendo uno de los grandes estandartes de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico. Su regreso a Colombia fue una demostración de vigencia, pasión y entrega que terminó electrificando a todos los presentes en el Ace of Spades.

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Bueno, ya va otra croniquita que tenía pendiente de hace unos días. Y aún con los recuerdos de aquella que hice para el evento A7X¹, procede otro relato de un subgénero que ha venido creciendo tanto en cantidad de bandas como en interés mediático generado en la escena local e internacional: el technical death metal. Para esta ocasión, hablaré de 3 grandes exponentes, los canadienses Beyond Creation, Fallujah desde Estados Unidos y por Colombia, Shroud of Impurity. Esta reunión se llevó a cabo en el Relevent Music hall en la fría noche bogotana del 20 de abril.

Y aunque no soy el conocedor más grande de los invitados internacionales anteriormente mencionados², el tech death es un subgénero que, parafraseando al señor Candy en Django Unchained, tenía mi curiosidad en el pasado y ahora tiene mi atención. Es más, considero que el concierto fue la mejor chance de conocer a estos representantes venidos de otras latitudes.

Estuvo bueno ya de introducción. Vamos al lío.

1. Apertura con los parceros de Shroud of Impurity

A eso de las 7:30 pm ya comenzaba a haber un quorum de gente bastante grande en la zona aledaña al recinto. Inclusive, dado que hubo un retraso en el inicio del show, hasta llegó a pasar por mi cabeza que capaz y me estuve perdiendo del primer acto de la noche. Sobre todo porque apenas iba entrando, Shroud comenzó a tocar. De buenas que era solamente un ensayo, algo de susto me alcanzó a dar.

Luego de chequear sonido, entraron Tutto, Daro, Sheik y Norman a iniciar el fiestón en el Relevent. Con el lugar a tope, mostraron las canciones de Sudario Impuro, su Opera Prima que cuenta con un total de 6 tracks y un arte bien melo en el folleto³. El trabajo ya lo pueden encontrar en formato físico, que también se puede acompañar de la respectiva camiseta.

Aquí unos apartes de su presentación. Las tomas son hechas con un cel medio choneto, pero que logra su cometido.

Aclaración: no, no es el mismo video subido 2 veces. Me hice en el mismo lugar para hacer las tomas.

Como pueden ver, aparte de bastante agresividad característica del death, hay mucha técnica y groove, o así como es dicho aquí, saborrr. Una combinación que gustó mucho en el público asistente, y que sirvió para mostrar que aquí en Colombia lo que sobra es talento. Algo que no me canso de decir. Para que estén muy pendientes de todo lo nuevo de la banda, que se viene pronto.

En lo que respecta a la parte de logística y sonido, estuvo muy bien. Todo sonó en su punto, en especial el bajo de Daro, que pude contemplar a su perfección gracias a la ubicación que conseguí muy cerca de la tarima. Los muchachos de ingeniería de sonido la hicieron fenomenal. Una apertura a la altura del espectáculo de la noche.

Ahora sí, toca hablar del primer invitado internacional.

2. Fallujah desde Tennessee

De primera, me sorprendió ver que una banda de (tech) death no tuviera bajo. En ese aspecto soy un tanto ortodoxo en afirmar que este instrumento no puede faltar en un concierto de una banda de metal⁴; no obstante, me he llevado varias sorpresas con varias agrupaciones, y una de ellas fue justamente Fallujah, quienes vinieron a presentar varias canciones de su más reciente disco Xenotaph, un trabajo musical que me dejó sorprendido por la calidad tan alta que tiene. Y además, también tocaron rolones de anteriores trabajos como Dreamless y Empyrean.

Aquí se pueden apreciar las voces limpias de Kyle Schaefer, quien entró a la banda en 2022. Poderosa la labor del flaco como cantante, he de decir. Y el guitarrista líder Scott Carstairs, ni se diga. Señora técnica la que se gastaba tocando la lira. Para quedar con estupefacientes, digo, estupefacto.

Como en el caso de Shroud, las tomas fueron hechas desde un extremo del escenario. Y así como pasó en el caso anterior, se favorecieron con el audio los instrumentos ubicados ahí (en este caso, la guitarra de Scott). En cuanto al show, se prendió aún más el ambiente con Fallujah, alto carisma el de sus integrantes, y bastante amables repartiendo picks y el setlist respectivo. Ya pasado un tiempo pude ver a algunos de los integrantes vendiendo la merch oficial en la chaza del lugar⁵.

Es hora de pasar al acto principal de la jornada.

Tecnicismo y Virtuosismo con Beyond Creation

Por primera vez en Colombia (inclusive, en Latinoamérica) Beyond Creation hacía su presentación. Fechas más que indicadas porque se cumplen 15 años de su LP debut The Aura, un señor trabajazo de estos canandienses de Montreal donde se ve el tech death más influenciado por las notas del jazz.

Al detallar el setlist, se puede ver que grueso del show estuvo encaminado a mostrar el trabajo previamente mencionado; aunque hubo tiempo para que la banda interpretara canciones de otros trabajos como Algorythm, así como de su más reciente sencillo Reverence. Como elipsis, la trayectoria musical en términos de producciones no es muy extensa, a diferencia de lo que se puede ver en Fallujah.

Instrumentalmente y en vocales, muy buena la banda, en especial el bajista Hugo Doyon-Karout sacando unas notas que no se pueden creer que provengan de ese instrumento. Las tomas las hice desde una posición más central, cosa que se aprecia mejor el sonido en el recinto.

Como comentario extra, el vocalista Simon Girard hizo la presentación de las canciones en español. Uno un tanto tastabillado, pero se agradece mucho el detalle. Hizo que el público tomara más la vibra de la ocasión. Inclusive, el encore tomó más tiempo de lo normal no solamente por los discursos en el idioma local, sino también porque la banda se despedía más que circo de los hermanos Gasca.

Y bueno, luego de unas 3 horas de show, todos pa la casita. Mil y mil gracias a las bandas y al Relevent por hacer posible este evento. Con eventos de esta calidad, cada vez más se va generando interés en géneros tan elaborados como el tech death.

1. Avenged Sevenfold. ↩︎
2. Caso contrario al invitado nacional, de quienes ya tengo el EP debut y la camiseta oficial. ↩︎
3. Si lo quieren ver, compren el disco. No voy a piratear el arte de las bandas locales en mis notas. ↩︎
4. Inclusive, hasta puede ir sampleado (como lo hizo Aborted en su presentación en el Ace del 2024). ↩︎
5. Miren ustedes que es un fenómeno global; se ve mucha más rentabilidad en la venta de mercancía. ↩︎

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Reseña Angine de Poitrine-Vol II (2026)

¿Puede el caos ser tendencia? El dúo multinstrumental Angine de Poitrine parece demostrar que sí. Con su nuevo álbum ‘Vol II’, estos enmascarados de Quebec nos ofrecen una experiencia sonora que desafía etiquetas, posicionándose como una de las propuestas más frescas y disruptivas de este 2026. Es una obra donde el virtuosismo se encuentra con lo absurdo, logrando un éxito inesperado en plena era digital.»

El virtuosismo de lo absurdo que conquistó a las leyendas

En las últimas semanas, el mundo entero se sacudió con una propuesta poco convencial: dos personajes enmascarados de Quebéc, Canada con su música instrumental, incómoda, rara, con acordes y sonidos disonantes y de tiempos extraños, empezaron a ganarse el corazón y reconocimiento de gigantes en la industria musical del rock y del metal.

Angine de Poitrine es una banda formada en el año 2019 de jazz, prog, surf rock, funk y math-rock, una banda que parece ser muy técnica y seria, pero que curiosamente surgió como una burla entre los genios detrás del disfraz. Su música es algo así como Primus, Zappa y pop, un proyecto de música virtuosa, pero absurda y que no pretende atrapar a todo el mundo, aunque en este caso, ya se han ganado la veneración de figuras como Mike Portnoy (Dream Theater), Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana), Rick Beato y Cory Wong.

Marcianos, una respuesta humana ante la IA y la industria musical

La joven banda, que tan solo cuenta con dos álbumes y tres sencillos, está en camino a convertirse en un clásico instantáneo, en una banda que marcará la década y hasta una generación de la música alternativa.

Me atrevo a hacer esa afirmación, porque en medio de público alternativo y artistas que se ven saturados con la cantidad de competencia y música nueva que se lanza ahora como consecuencia de la inteligencia artificial y aplicaciones como Zuno, es de resaltar una banda que suena imperfectamente humana, que un sistema o aplicación no podría crear.

En una realidad distópica en donde las artes, que son el componente de creación más humano, emocional, imperfecto y hermoso, se están viendo reemplazadas por computadoras; el hecho de que Angine de Poitrine con su música microtonal y su presentación en KEXP el mes pasado, haya generando 3.5 milliones de vistas, es refrescante y un alivio.

Entre el chiste y la maestría: El nacimiento de un caos sonoro

Los personajes de Angine de Poitrine, Khn (guitarra y bajo) y Klek (batería), empezaron como un proyecto en broma entre amigos, algunos dicen que lo hicieron porque no les dejaron tocar seguido en el mismo bar y volvieron disfrazados.

Esto no es nuevo, vemos en la música referentes que van desde Gorillaz, Daft Punk, Gaerea, Sleep Token, entre otros, que son muy exitosos y les funcionó el anonimato. Pero para Angine de Poitrine, más que estrategia de marketing, se trata de una historia bien creada de marcianos que nos visitan y que se acomoda perfecto con la manera en la que suenan.

En su sonido usan instrumentos microtonales hechos por ellos mismos. La primera guitarra/bajo de doble mástil Stratocaster fue modificada con una sierra por el baterísta, de manera que se le agregaron extra trastes para producir ese disonacia microtonal. La idea viene de una inspiración por sonidos hindúes y japoneses que tiene intervalos musicales más pequeños que el semitono, la división mínima en el sistema occidental convencional (de 12 a 24 o más semitonos).

Angine de Poitrine-Vol II (2026)

Angine Poitrine: Vol II es un álbum de 6 canciones que sobre pasan el largo de canciones comerciales y no es de extrañarse con toda la experimentación y viaje sonoro que es cada una de ellas, haciendo a la agrupación un dúo progresivo or prog, en mi opinión, porque lo arriesgado es prog.

Fabienk es el inicio de esta experencia y una de mis favoritas del álbum, la canción parece dividirse en dos, tiene coqueteos con el disco de los 70s y funk inclusive en las voces. Después le sigue Mata Zyklek, que va en camino a convertirse en una favorita de los fans y se siente como una canción ambiente para una carrera de caricaturas, energía a tope.

Sarniezz, es la canción que más reconocimiento les ha generado hasta el momento, suena a una banda sonora como si tuviera instrumentos de viento y es un éxito asegurado, es agresiva, tiene muchos cambios y es la más corta del listado. Por otro lado, está Utzp que suena chistosa, a música para bailar polca, fue un gusto adquirido para mí, pero terminó enganchándome al final porque tienen un cambio inesperado en la mitad de tiempo y propuesta y termina hasta sonando a arpeggios de metal.

Las últimas dos canciones, Yor Zarad y Angor demuestran especialmente la influencia de sonidos árabes, hindúes y con coqueteos de metal, distorsión y caos al final.

¿Te gustó la reseña? Te invito a estar al tanto de nuestras redes y a leer reseñas anteriores como esta de  Eihwar – Hugrheim: El Despertar del Viking War Trance por Jean Santacoloma.

La entrada Angine de Poitrine-Vol II: los marcianos al rescate de la música se publicó primero en Roll The Radio.

🥁 El Sonido: Rituales Electrónicos

Hugrheim no es un disco de «fogata y flauta». Es un asalto rítmico.

• La Percusión: Es el corazón del álbum. Los tambores chamánicos se funden con bombos electrónicos pesados, creando un trance hipnótico que te obliga a mover el cuerpo.
• La Voz de Asrunn: Su capacidad para pasar de cantos angelicales y etéreos a guturales feroces y gritos de guerra le da al álbum una dinámica de «luz y sombra» constante.
• Instrumentación: El uso de la Tagharpa (instrumento de cuerdas frotadas) mezclado con sintetizadores sucios crea una atmósfera que se siente antigua y futurista al mismo tiempo.

🛡️ Temas Destacados

• «Völuspá»: Una interpretación vibrante de la profecía nórdica. Aquí la banda demuestra cómo puede mantener la sacralidad del texto mientras te envuelve en un ritmo de baile frenético.
• «Berserkr»: Pura adrenalina. Representa la furia de los guerreros nórdicos con una base electrónica que roza el techno-industrial.
• «Hugrheim»: El tema que da nombre al disco es un viaje más atmosférico, explorando el «hogar del espíritu» (significado de la palabra en nórdico antiguo).

⚖️ Veredicto

Hugrheim es un disco disruptivo. Logra lo que pocas bandas de Folk consiguen: sonar auténticamente primitivo sin ser aburrido o repetitivo. Es la banda sonora perfecta para quienes disfrutan de Heilung o Wardruna, pero que a veces extrañan la energía de un concierto de metal o de música electrónica pesada.

En pocas palabras: Es un ritual pagano en el siglo XXI. Eihwar ha creado un puente entre el pasado vikingo y la cultura de club moderna.

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La tormenta perfecta entre la vanguardia francesa y la furia noruega

Cuando un músico de la trayectoria de Gildas Le Pape (ex-Temple of Baal) decide tomar las riendas de un proyecto en solitario, las expectativas son altas. Sin embargo, con «Guerre et Paix» (Guerra y Paz), bajo el nombre de Via Doloris, no solo cumple con lo esperado, sino que entrega una pieza de Black Metal que se siente vital, peligrosa y profundamente artística.

1. La Alianza de Hierro: Le Pape y Frost

El mayor atractivo técnico de este álbum es, sin duda, la presencia de Frost (Satyricon, 1349) tras la batería. Su participación no es un simple adorno; el estilo devastador y preciso del baterista noruego le otorga al disco una columna vertebral de acero. La combinación de los riffs afilados de Gildas con la velocidad inhumana de Frost crea una sinergia que recuerda a los mejores momentos del Black Metal de finales de los 90, pero con una producción moderna y robusta.

2. Concepto: La Dualidad de la Existencia

Fiel a su título, el álbum es un campo de batalla filosófico. «Guerre et Paix» explora los estados opuestos de la condición humana. No es solo un ataque sónico; es un viaje introspectivo donde los momentos de agresividad bélica se intercalan con pasajes de una calma tensa y oscura. Esta dualidad permite que el disco respire, evitando la monotonía y manteniendo al oyente en un estado de alerta constante.

3. Sonido: Black Metal de Autor

A diferencia de los proyectos previos de Le Pape, en Via Doloris se percibe una libertad creativa total. El sonido es puramente francés en su elegancia y disonancia, pero tiene ese «groove» gélido que solo la escuela noruega puede aportar. Es un álbum de contrastes:

• Ataque: Blast beats frenéticos y guitarras que cortan como navajas.
• Atmósfera: Capas de oscuridad que sugieren un camino de dolor (haciendo honor al nombre de la banda).
• Voz: Una interpretación visceral que transmite el conflicto interno de los temas tratados.

4. Veredicto

«Guerre et Paix» es una declaración de principios. Gildas Le Pape ha logrado canalizar su experiencia en un proyecto que suena fresco y necesario. La inclusión de Frost eleva el material a un nivel de élite, convirtiendo este debut en uno de los lanzamientos más destacados del Black Metal extremo en lo que va del año. Es un disco esencial para quienes buscan música que sea tanto un castigo físico como un desafío intelectual.

La entrada Via Doloris: Reseña de «Guerre et Paix» con Gildas Le Pape y Frost se publicó primero en Roll The Radio.

Por: Susana Chvatal / Distorsión Sin Filtro

Bajo el radar

La enigmática agrupación de 7 músicos que además de guitarra, batería, bajo y voces, cuenta con teclados, violín e inclusive una sección de metales adicional en sus grabaciones, lo que le da a su música un aura de cabaret. Fundada en 2003, esta banda es arriesgada, pero conocida por pocas personas, aunque ya va haciendo eco entre la comunidad progresiva especialmente europea.

Ellos mismos se definen como «un caleidoscopio de melodías cinematográficas» y entre su vasto espectro sonoro, encontramos el rock progresivo, post punk, surf rock, blues, metal, avant-garde, psicodelia y más. En estos tiempos de tanta inteligencia artificial, de sonidos predeterminados por comodidad, algoritmos y canciones que no exigen desacomodarse y sorprenderse, un proyecto como Major Parkinson es esperanzador.

Análisis del álbum Valesa – Chapter II

La banda Noruega Major Parkinson nos trae su sexta entrega este año con su álbum «Valesa – Chapter II: Viva the Apocalypse!» una secuela de su aclamado albúm de 2022 «Valesa – Chapter I: Velvet Prison«. Ambos álbumes traen una propuesta poco común, sonidos originales y distintos a la misma fórmula de muchas bandas que buscan ser los nuevos Genesis, Camel, Emerson Lake and Palmer o hasta Pink Floyd.

Valesa-Chapter I: el álbum antecesor, nos trae una temática de misterio e incertidumbre, como lo dijo el vocalista Jon Ivar Kollbotn son «himnos sintéticos ambientados en una discoteca de ansiedad nuclear». Algunas canciones suenan a éxitos de la radio sin trascendencia y otros llaman a la exploración de temas complejos.

Valesa – Chapter II: Viva the Apocalypse! explora las mitologías americanas, el consumismo, la dominación de la religión y el lado oscuro del mundo del espectáculo (Showbiz). Destaca la voz de Jon Ivar Kollbotn, que alterna entre un «predicador callejero» y un crooner suave. La instrumentación es una anarquía feliz.

Al ser grabado mayoritariamente en directo, el disco tiene una cualidad feroz y física. La música se siente en constante movimiento, mezclando humor negro con una energía festiva.

Veredicto y recomendaciones

Para los que no son tan amantes del progresivo y que quizás les parezca un género muy de culto, snob, difícil de digerir; esta secuela Valesa – Chapter II: Viva the Apocalypse! de Major Parkinson trae canciones de todas las duraciones, inclusive de menos de dos minutos.

Los sonidos que tienen guiños a la década de los 80’s, a sintetizadores, coros que suenan medio gospel, inclusive sonidos de post punk, pero sobre todo mucha experimentación, teatralidad y música que puede decirse pícara o divertida.

Por supuesto les recomiendo que se pongan sus audífonos y escuchen todo este trabajo al mejor estilo de Broadway, pero especialmente recomiendo:

• Superdad: la mejor del álbum, una canción política, con críticas a los sistemas políticos y la decepción de la experiencia humana.
• Viva the Apocalypse: por algo le da el título al álbum, la perdida de la inocencia ante los horrores de esta sociedad.
• Karma Supernova: tiene una tremenda línea de bajo y me hace pensar en música de una banda sonora. Se divide en dos partes, una instrumental y otra parte que no. Es una canción caótica que sí, habla del karma y el espectáculo y locura de la sociedad actual.

Valesa – Chapter II: Viva the Apocalypse! de Major Parkinson es una película, es un teatro sonoro que vale la pena escuchar, arriésguese y déjese sorprender por música distinta.

Gracias al amigo que me recomendó esta banda, es lo mejor de una voz añeja melancólica a lo Scott Walker, acompañado con la tecnología y los sonidos contemporáneos, en tono sarcástico y carnavalesco.

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💿 La Estructura del Vacío

Sidera se despliega a través de cinco movimientos extensos que superan, en su mayoría, los diez minutos de duración. El tracklist oficial marca una narrativa emocional clara:

1. Les fleurs de l’exil
2. De cris & de cendres (11:41)
3. Aux bras des vagues & des vomissures (09:40)
4. À la douleur de l’aube
5. Dans la voie de nos lumières

🎼 Análisis Técnico y Sensorial

Musicalmente, el álbum representa la cumbre de la madurez para el Métal Noir Québécois. La banda abandona la crudeza visceral del DSBM tradicional para abrazar una producción progresiva y neoclásica de altísimo nivel.

• Dualidad Instrumental: Las guitarras ejecutan un contrapunto barroco donde el trémolo feroz convive con arpegios limpios y melancólicos. El uso del piano es fundamental; no funciona como interludio, sino como el narrador que dicta las dinámicas y los silencios de la obra.
• Atmósfera Alquímica: El disco se siente como un proceso de transmutación. Temas como «Aux bras des vagues & des vomissures» exploran ritmos casi marítimos y disonantes, mientras que «À la douleur de l’aube» alcanza un clímax de desesperación vocal que se funde en arreglos de cuerda cinematográficos.

⚖️ Veredicto: El Sonido de las Estrellas Frías

Sidera es una obra de luz indiferente. Su título alude a la inmensidad del cosmos frente a la pequeñez del dolor humano. Es un álbum denso, orgánico y profundamente exigente que requiere una escucha atenta y solitaria.

En pocas palabras: Miserere Luminis ha logrado capturar el sonido de una tragedia que se eleva. Es, sin duda, uno de los lanzamientos más profundos y sofisticados del metal extremo en 2026.

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El descenso cinematográfico hacia el abismo heredado

Cuando Unverkalt irrumpió en la escena desde Atenas (ahora radicados en Berlín), lo hizo con una propuesta de Post-Metal que priorizaba la atmósfera y el sentimiento. Sin embargo, con Héréditaire, su tercer álbum de estudio y el primero bajo el prestigioso sello Season of Mist, la banda ha decidido «correr el velo» para mostrar una crudeza que hasta ahora solo intuíamos.

Producción y Sonido: Caos Controlado

El álbum es una pieza de ingeniería sonora grabada con una intención clara: el contraste. La producción, a cargo de la propia banda y grabada en RAWBITE Studio (bajo la dirección de Themis Ioannou), logra que los momentos de calma se sientan frágiles, casi románticos, para luego ser aplastados por una distorsión abrasadora.

• Evolución Estilística: Si antes los comparábamos con Cult of Luna o Julie Christmas, en Héréditaire la banda abraza el Black Metal de forma explícita. Canciones como «Die Auslöschung» u «Oath Ov Prometheus» nos presentan blast beats y voces extremas que conviven orgánicamente con las melodías cinematográficas de Themis Ioannou.
• Dimitra Kalavrezou: Su voz sigue siendo el alma del proyecto, pero aquí alcanza un registro emocional mucho más amplio, alternando susurros inquietantes con gritos que parecen nacer del dolor generacional.

Puntos Clave del Álbum

• La Colaboración de Lujo: Un momento cumbre es «I, The Deceit», donde cuentan con la participación del legendario Sakis Tolis (Rotting Christ). Su voz añade una capa de misticismo y autoridad que eleva el tema a una categoría de himno del metal vanguardista.
• Temática: El título no es casualidad. El álbum explora las cargas que arrastramos de nuestros antepasados —el «Hereditario»— y la lucha por liberarse de esas sombras que no nos pertenecen pero que nos definen.
• El Factor Visual: La estética del álbum, reflejada en videos como «Introjects», refuerza esa visión cinematográfica: el uso de contrastes entre el blanco y el negro para representar la pureza que se fractura ante la experiencia y la corrupción.

Veredicto

Héréditaire no es un disco para escuchar de fondo; es una experiencia inmersiva. Unverkalt ha logrado lo que pocas bandas de Post-Metal consiguen: endurecer su sonido sin perder la elegancia. Es un álbum denso, honesto y, sobre todo, profundamente humano. Sin duda, uno de los lanzamientos más potentes de este primer trimestre de 2026.

Tracks recomendados: «Die Auslöschung», «Introjects» y «I, The Deceit».

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